anuncio leroy merlin

RAYO

El rayo es una poderosa descarga electrostática natural, producida durante una tormenta eléctrica. La descarga eléctrica precipitada del rayo es acompañada por la emisión de luz (el relámpago), causada por el paso de corriente eléctrica que ioniza las moléculas de aire, y por el sonido del trueno, desarrollado por la onda de choque. La electricidad (corriente eléctrica) que pasa a través de la atmósfera calienta y expande rápidamente el aire, produciendo el ruido característico del rayo; es decir, el trueno.
Generalmente, los rayos son producidos por particulas positivas por la tierra y negativas a partir de nubes de desarrollo vertical llamadas cumulonimbos. Cuando un cumulonimbo alcanza la tropopausa, las cargas positivas de la nube atraen a las cargas negativas, causando un relámpago o rayo. Esto produce un efecto de ida y vuelta; se refiere a que al subir las partículas instantáneamente regresan causando la visión de que los rayos bajan.
La disciplina que, dentro de la meteorología, estudia todo lo relacionado con los rayos se denomina ceraunología.

Formación del rayo

El primer proceso en la generación del rayo es la separación de cargas positivas y negativas dentro de una corriente aérea ascendente, fuerte en estas nubes, acumulando así una carga de electricidad estática muy poderosa. Los cristales positivamente cargados tienden a ascender, lo que hace que la capa superior de la nube acumule una carga electrostática positiva. Los cristales negativamente cargados y los granizos caen a las capas del centro y del fondo de la nube, que acumula una carga electrostática negativa.

El rayo también puede producirse dentro de las nubes de cenizas de erupciones volcánicas, o puede ser causado por violentos incendios forestales que generen polvo capaz de crear carga estática.

Cómo se inicia la descarga eléctrica sigue siendo un tema de debate. Los científicos han estudiado las causas fundamentales, que van desde las perturbaciones atmosféricas (viento, humedad y presión) hasta los efectos del viento solar y a la acumulación de partículas solares cargadas. Se cree que el hielo es el elemento clave en el desarrollo, propiciando una separación de las cargas positivas y negativas dentro de la nube.

Prevención de impacto de un rayo 

Existen situaciones en las que el peligro de recibir el impacto de un rayo se genera en pocos minutos.

Los lugares más seguros durante una tormenta eléctrica son los automóviles, ya que conducen la electricidad al suelo por su parte exterior, no dañando a sus ocupantes.

Dentro de un edificio deben tomarse las siguientes precauciones:

Aléjense de puertas y ventanas.

Aléjense de instalaciones eléctricas.

Desconéctense los aparatos electrodomésticos (en la medida de lo posible).

No se usen teléfonos fijos, sólo inalámbricos o móviles.

Ciérrense las puertas al salir.

Aléjense de objetos metálicos, como estufas, cocinas, espejos, verjas, etc.

Evítense las corrientes de aire, como abrir o cerrar bruscamente una puerta o una ventana, ya que favorecen la producción de la descarga eléctrica.

Dentro de una casa el sitio más seguro es el centro de la habitación más grande y más baja.

Dentro de un automóvil deben tomarse las siguientes precauciones:

Ciérrense todas las puertas y ventanas.

No se toquen las partes metálicas del mismo.

Por ningún motivo debe abandonarse el vehículo.

En caso de que el individuo sea sorprendido por la tormenta eléctrica mientras se encuentra al aire libre, se recomienda lo siguiente:

En caso de haber un edificio o vehículo muy cerca, inténtese llegar a él.

Aléjense de objetos altos (árboles, postes o cualquier objeto que sobresalga).

Búsquese una zona que se encuentre un poco más baja que el terreno circundante.

No debe uno acostarse, ya que la tierra húmeda conduce muy bien la electricidad.

Agáchese lo más posible, pero tocando el suelo sólo con las plantas de los pies.

Resguárdese en alguna cueva, lo más lejos posible de la entrada y paredes de la misma.

Está erróneamente extendido que, dada la velocidad del sonido en el aire -340 m/s-, para determinar la distancia a la que caen los rayos, sólo es necesario contar los segundos entre relámpago y trueno. Sin embargo esto, en términos generales, está lejos de la realidad. El trueno se desplaza por medio de ondas de choque y no mediante ondas acústicas ordinarias, siendo las primeras de propagación mucho más rápida que las acústicas, y de valor no constante. La velocidad de propagación de las ondas de choque ronda los 12-14 Km/s, unas cuarenta veces mayor que la del sonido. El rayo genera ondas explosivas que se propagan a través del aire, y se identifican como un chasquido inicial. Cuando el efecto sonoro es fuerte y brusco, el rayo se ha producido muy cerca del espectador, y las ondas percibidas son de tipo explosivo, que aún no se han destruido. Cuando la descarga eléctrica está muy anticipada respecto de la percepción del sonido, se oyen descargas sordas que oscilan en intensidad, y que llegan al espectador con retraso respecto del rayo. Esto indica una distancia mayor respecto del punto de descarga. Sin embargo, no es posible determinar la distancia bajo estas circunstancias, ya que la onda explosiva que transporta el sonido viaja con velocidad variable: a velocidad supersónica inicialmente, y cuando la onda explosiva se destruye a la velocidad del sonido.

Impactos de rayo

Como es sabido, el rayo tiende a caer en lugares altos que lo conduzcan hasta la tierra, lugar a donde debe ir a parar. Por norma general un objeto cubre el doble de distancia a la redonda que su altura; es decir, si un cuerpo mide 10 m, todos los rayos que caigan en un radio de 20 m caerán generalmente sobre él. En caso de sufrir la caída de un rayo, la probabilidad de muerte no es tan grande como puede parecer, ya que el 94% de los afectados sobreviven. No obstante, hay que tener presente que, si bien el impacto no resulta mortal, las secuelas pueden ser permanentes. Algunas de las consecuencias son las siguientes:

• Pérdida de la consciencia, amnesia temporal o pérdida total de la memoria.
• Funcionamiento irregular de órganos temporal o permanente.
• Muerte de miembros u órganos.
• Pérdida de la capacidad de sentir el frío, consecuencia que, aunque simple, resulta muy incómoda: es muy frecuente en personas con este problema contraer catarros, gripes, pulmonías e hipotermias, que pueden llevarlos a la muerte.

Aún teniendo la fortuna de no sufrir estas secuelas, son muchos los casos que precisan tratamiento psicológico para que el afectado elabore su accidente y el consecuente miedo que probablemente sienta por las tormentas, lluvias o incluso las simples nubes.

 Tipos de rayos

Algunos rayos presentan características particulares; los científicos y el público en general han dado nombres a estos diferentes tipos de rayos. El rayo que se observa más comúnmente es el rayo streak. Esto no es más que el trazo de retorno, la parte visible del trazo del rayo. La mayoría de los trazos se producen dentro de una nube, por lo que no vemos la mayoría de los trazos individuales de retorno durante una tormenta.

Rayo nube a tierra

Es el más conocido y el segundo tipo más común. De todos los tipos de rayos, éste representa la mayor amenaza para la vida y la propiedad, puesto que impacta contra la tierra. El rayo nube a tierra es una descarga entre una nube cumulonimbus y la tierra. Comienza con un trazo inicial que se mueve desde la nube hacia abajo

Rayo perla 

El Rayo perla es un tipo de rayo de nube a tierra que parece romper en una cadena de secciones cortas, brillantes, que duran más que una descarga habitual. Es relativamente raro. Se han propuesto varias teorías para explicarlo; una es que el observador ve porciones del final de canal de relámpago, y que estas partes parecen especialmente brillantes. Otra es que, en el rayo cordón, el ancho del canal varía; como el canal de relámpago se enfría y se desvanece, las secciones más amplias se enfrian más lentamente y permanecen aun visibles, pareciendo una cadena de perlas

 

Rayo Staccato  

Rayo Staccato es un rayo de nube a tierra, con un trazo de corta duración que aparece como un único flash muy brillante y a menudo tiene ramificaciones considerables

 

 

Rayo bifurcado

Rayo bifurcado es un nombre, no uso formal, para rayos de nube a tierra que exhiben la ramificación de su ruta.

Rayo tierra a nube

El rayo tierra a nube es una descarga entre la tierra y una nube cumulonimbus, que es iniciado por un trazo inicial ascendente, es mucho más raro que el rayo nube a tierra. Éste tipo de rayo se forma cuando iones cargados negativamente, se elevan desde el suelo y se encuentran con iones cargados positivamente en una nube cumulonimbus. Entonces el rayo vuelve a tierra como trazo de retorno.

Rayo nube a nube

Este tipo de rayos pueden producirce entre las zonas de nube que no esten en contacto con el suelo. Cuando ocurre entre dos nubes separadas; es llamado rayo inter-nube y cuando se produce entre zonas de diferente potencial eléctrico, dentro de una sola nube, se denomina rayo intra-nube. El rayo Intra-nube es el tipo que ocurre con más frecuencia

Tormentas electricas, belleza y peligro...

 

La CRISIS INMOBILIARIA - Informe de "Sal & Pimienta"

La burbuja inmobiliaria ha explotado. Pero sus peores efectos pueden estar por venir, veremos que pasa...

 

¿Que pasará...?  La depreciación de la vivienda está pasando factura a los hipotecados en nuestra "Spain" y aún podría ser peor. La prestigiosa agencia de calificacion  de riesgo "Sal & Pimienta" ( la cual dirigen con una gran solvencia sus dos propietarias: Elena Salgado y Maria Teresa Fernandez de la Vega ) calcula que un 25% de los hipotecados en España se encuentra en situación de pérdidas patrimoniales ('negative equity'), lo que implica que el importe de sus hipotecas es superior al valor actual de los inmuebles hipotecados.

En este sentido, la agencia advierte de que si los precios de la vivienda en España profundizan su caída hasta un 30% ó 35% -algo factible (la CE estima que la vivienda española sigue sobrevalorada un 17%)- desde los máximos registrados, frente al descenso del 20% estimado hasta ahora por algunos índices, el porcentaje de hipotecados con pérdidas patrimoniales ascendería al 40% ó al 50%, respectivamente. El estudio elaborado por el área de finanzas estructuradas de S&P ha sido realizado con el análisis de las titulaciones calificadas por la agencia, que engloban más de 800.000 créditos hipotecarios en España.

Asimismo, el estudio elaborado por S&P indica que la incidencia de esta situación es mayor en las regiones en las que se han registrado los mayores descensos de precios, así como entre los préstamos hipotecarios más recientes (2007 y 2008). ¡Ojo!, dejar de pagar la hipoteca no sirve..., y, por si fuera poco el Gobierno aprobó el año pasado una ley que permite a las entidades financieras exigir mayores garantías o un aval adicional a los hipotecados a los que el valor de su vivienda en el mercado haya caido un 20%...

TEATRO

TEATRO

El teatro (del griego θέατρον theatrón 'lugar para contemplar') es la rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas para un escenario, ante un público. El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo.

En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, la ópera china y la pantomima.

Ejemplo de teatro: la Comédie-Française  (acuarela de A. Meunier, París, siglo XVIII).

Aproximación histórica

La mayoría de los estudios consideran que los orígenes del teatro deben buscarse en la evolución de los rituales mágicos relacionados con la caza, al igual que las pinturas rupestres, o la recolección agrícola que, tras la introducción de la música y la danza, se embocaron en auténticas ceremonias dramáticas donde se rendía culto a los dioses y se expresaban los principios espirituales de la comunidad. Este carácter de manifestación sagrada resulta un factor común a la aparición del teatro en todas las civilizaciones.

África

El teatro africano, entre tradición e historia, se está encauzando actualmente por nuevas vías. Todo predispone en África al teatro. El sentido del ritmo y de la mímica, la afición por la palabra y la verborrea son cualidades que todos los africanos comparten en mayor o menor medida y que hacen de ellos actores natos. La vida cotidiana de los africanos transcurre al ritmo de variadas ceremonias, rituales o religiosas, concebidas y vividas generalmente como verdaderos espectáculos. No obstante, aunque África ha conocido desde siempre este tipo de ceremonias, cabe preguntarse si se trataba realmente de teatro; a los ojos de muchos, estos espectáculos están demasiado cargados de significado religioso para que puedan considerarse como tal. Otros estiman que los tipos de teatro africanos guardan cierto parecido, como en otros tiempos la tragedia griega, como un preteatro que nunca llegara totalmente a ser teatro si no se desacraliza. La fuerza y las posibilidades de supervivencia del teatro negro residirán, por lo tanto, en su capacidad para conservar su especificidad. en el África independiente está tomando forma un nuevo teatro.

Nuevo Teatro: Se trata de un teatro comprometido, incluso militante, concebido para defender la identidad de un pueblo que ha logrado su independencia.

Teatro de Vanguardia: Se orienta actualmente hacia una investigación sobre el papel de actor, próxima a la de Jerzy Grotowski y su teatro laboratorio. Así, en Libreville, Gabón, se formó en 1970 un teatro vanguardista que realizó dos espectáculos que dejaron una huella perdurable en las jóvenes generaciones de comediantes. Otra vía de investigación es el teatro de silencio, creado por François Rosira, cuyo fin era realizar espectáculos en los que el canto, el recitado, la música y el baile se complementen en perfecta armonía.

Antiguo Egipto

En Antiguo Egipto, a mediados del segundo milenio antes de la edad cristiana, se representaban ya dramas acerca de la muerte y resurrección de Osiris. Se comienza el teatro por medio de máscaras y dramatizaciones con ellas.

Grecia y Roma

                                                                   Sófocles

Las raíces en ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso, donde se llevaban a cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y cantos (Ditirambos). Más tarde comenzaron las primeras representaciones ya propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían solo un actor y un coro. A fines del Siglo VI a.C alcanzó extraordinaria celebridad el legendario poeta e intérprete Tespis, en cuyo honor la frase el carro de Tespis alude, aún hoy, al conjunto del mundo del teatro.

El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de la vendimia (ofrecida a Dionisios) donde los jóvenes iban danzando y cantando hacia el templo del dios, a ofrecerle las mejores vides. Luego un joven que resaltó entre el grupo de jóvenes se transformó en el Corifeo o maestro del coro, quien dirigió al grupo. Con el tiempo aparecieron el bardo y el rapsoda, que eran recitadores.

En el curso del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los dramaturgos Esquilo y Sófocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la acción, lo que dio a ésta una complejidad que hacía necesaria la creación de mayores escenarios. Para ello se erigieron grandes teatros de piedra, entre los que cabe citar el aún conservado de Epidauro en el siglo V a. C., capaz de albergar unas 12.000 personas, y el de Dioniso, en Atenas, en el siglo IV A.C. Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una colina, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la orquestra, espacio circular en el que se efectuaba la mayor parte de de la representación. Tras la orquestra se levantaba una edificación llamada skené, escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Delante de ella se levantaba una pared columnada, el proscenio, que podía sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico.

Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por el Corifeo o maestro del coro) que cantaba [el coro] y danzaba en torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras e incurrían en una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras.

Teatro romano

Los teatros romanos heredaron los rasgos fundamentales de los griegos, si bien introdujeron ciertos elementos distintivos. Construidos inicialmente en madera, sólo en el año 52 a. C. Pompeyo, erigió en Roma el primero en piedra. A diferencia de sus modelos helénicos, se levantaban sobre el suelo plano y poseían varias plantas erigidas en mampostería. Con objeto de mejorar la acústica, los arquitectos romanos redujeron la orquestra a un semicírculo, y los espectáculos se presentaban sobre una plataforma, el pulpitum, levantada delante de la antigua skene que constituye el origen de los modernos escenarios. La frons scaenae era una fachada monumental de varios pisos, que servía de fondo de escenario. El graderío (cávea) se divide en 3 partes: Ima, media y suma , ubicándose la primera en la zona inferior donde se sentaban los senadores y la clase dirigente; quedando asentados en la superior las mujeres y los esclavos y en la media el pueblo llano. El conjunto podía cubrirse con un velum. Roma optó también por la comedia, ya que éstos tomaron el teatro como una manera de divertirse o entretenerse.

Civilizaciones americanas

En las culturas americanas prehispánicas el teatro llegó a adquirir un notable desarrollo, particularmente entre los mayas, una de las obras más representativas del teatro maya es el drama quiche Rabinal Achí el teatro maya se hallaba parcialmente vinculado a los ciclos agrícolas y a la epica de sus eventos históricos, y entre los aztecas e Incas, sociedades que en correspondencia con su estructura teocrática dieron a sus actividades teatrales un matiz eminentemente guerrero y religioso.

Civilizaciones orientales

                                          Representación del teatro Nô, 能.

Las manifestaciones dramáticas en Asia se remontan a épocas antiquísimas. En China se practicaban ya, bajo la forma de poemas escenificados, a fines del segundo milenio antes de la era cristiana. En la India su aparición fue posterior, mas el hecho de que en el Mahabhárata, poema épico que adquirió su forma definitiva hacia el siglo IV a. C., se mencione específicamente este arte revela la existencia de remotas formas teatrales relacionadas con las creencias védicas. El carácter marcadamente ritual y simbólico del teatro oriental que determinó un protagonismo de la música y la danza muy superior a la occidental, marcó asimismo en Japón, el desarrollo del teatro 能, en español llamado Nō surgido en el siglo XV, del que dos centurias más tarde brotó el 歌舞伎 o kabuki, el más popular, y basado sobre todo en la capacidad de los intérpretes, y en la apelación a los sentidos antes que al intelecto.

Edad Media europea

Tras siglos de olvido, la recuperación del teatro en Occidente tuvo principal apoyo en el clero, que lo empleó con fines didácticos. Así, desde el siglo XI, fue habitual la representación en las iglesias de misterios y moralidades, cuyo objeto era presentar de forma sencilla la doctrina cristiana a los fieles. A fin de facilitar la comprensión, el latín cedió paso paulatinamente a las lenguas vernáculas, y en los siglos XIII y XIV, tanto las piezas religiosas como las florecientes farsas profanas comenzaron a representarse.

Renacimiento

La eclosión del Renacimiento en Italia tuvo consecuencias decisivas sobre la evolución del teatro, pues, al surgir una producción dramática de carácter culto, inspirada en los modelos clásicos y destinada a las clases aristocráticas, se generalizó en el transcurso del siglo XVI la construcción de salas cubiertas y dotadas de mayores comodidades.

Teatro en Italia

Como primero de los teatros modernos suele citarse el Olímpico de Vicenza, diseñado por Andrea Palladio y finalizado en 1585, que constituía una versión de los modelos romanos y presentaba, al fondo del escenario, una perspectiva tridimensional con vistas urbanas. El modelo clásico del teatro italiano, vigente en muchos aspectos, fue no obstante el teatro Farnese de Parma, erigido en 1618, cuya estructura incluía el escenario, enmarcado por un arco proscenio y separado del público por un telón, y una platea en forma de herradura rodeada por varios pisos de galerías. Durante este tiempo se desarrolló también en Italia una forma de teatro popular, la comedia del arte, que con su énfasis en la libertad de improvisación del actor dio un gran avance a la técnica interpretativa.

Inglaterra: El Teatro Isabelino

                                                    William Shakespeare.

Muy diferentes fueron los teatros erigidos en Inglaterra durante el reinado de Isabel I de Inglaterra, época de excepcional esplendor del género dramático, entre los que se destacó el londinense The Globe donde presentaba sus obras William Shakespeare. Carentes de techo y construidos de madera, su rasgo más característico era el escenario elevado rectangular, en torno al cual el público rodeaba a los actores por tres lados, mientras las galerías se reservaban para la nobleza.

                                                    The Globe Theatre.

España: Los Corrales de Comedias

En España, y en la misma época que el teatro Isabelino en Inglaterra (siglos XVI y XVII) se crean instalaciones fijas para el teatro al aire libre denominadas Corrales de Comedias, con las que guardan similitudes constructivas. A diferencia del caso inglés, en España si han pervivido algunos ejemplos de estas edificaciones. Exponentes de esta época son los autores Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca, claros exponentes del importante Siglo de Oro español.

Barroco y Neoclasicismo

El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran enriquecimiento de la escenografía. La recuperación por parte del drama clásico francés de la regla de las tres unidades —acción, tiempo y lugar— hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, con lo que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la costumbre de cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la creciente popularidad de la ópera, que requería varios montajes, favoreció el desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran mayor apariencia de veracidad a efectos tales como: la desaparición de actores y la simulación de vuelos —las llamadas "glorias", por ejemplo hacían posible el descenso de las alturas del escenario de una nube que portaba a los cantantes. El teatro de la Scala de Milán, finalizado en 1778, constituye un ejemplo de las grandes dimensiones que eran precisas para albergar tanto al público como a la tramoya y al aparata escénico.

Teatro Moderno

Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron en esencia inalterables, si bien las exigencias de libertad creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a fines de la centuria a un replanteamiento general del arte dramático en sus diversos aspectos.

Fundamental en este sentido fue la construcción del monumental Festspielhaus de Bayreuth, Alemania, erigido en 1876 de acuerdo con las instrucciones del compositor Richard Wagner, que constituyó la primera ruptura respecto a los modelos italianos. Su diseño en abanico, con la platea escalonada, el oscurecimiento del auditorio durante su representación y la ubicación de la orquesta en un pequeño foso, eran elementos concebidos para centrar la atención de los espectadores sobre la acción y abolir en lo posible la separación entre escenario y público.

Esta exigencia de integración entre el marco arquitectónico, la escenografía y la representación fue acentuada en los últimos decenios del siglo XIX y primeros del XX por la creciente importancia concedida a la figura del director gracias a personalidades como el alemán Max Reinhardt, autor de espectaculares montajes, el francés André Antoine, adalid del naturalismo, el ruso Konstantín Stanislavski, director y actor cuyo método de interpretación ejercería gran influencia sobre el teatro moderno, o el escenógrafo británico Edward Gordon Craig, que en su defensa de un teatro poético y estilizado abogó por la creación de escenarios más sencillos y dúctiles.

La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales y las nuevas posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte teatral. En el campo del diseño arquitectónico y escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de nueva maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron la creación de escenarios dotados de mayor plasticidad (circulares, móviles, transformables, etc.) y liberaron al teatro de la apariencia pictórica proporcionada por la estructura clásica del arco del proscenio.

Elementos básicos

El teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen cada uno características y leyes propias y, en función de la época, de la personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia dentro del conjunto.estos elementos son:

Texto

Las obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe las acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje acotacional)

En la tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la pieza esencial del teatro, llamado "el arte de la palabra". Dado que, de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas orientales, cabe cuando menos admitir como justificada tal primacía. A este respecto deben hacerse, no obstante, dos consideraciones: en primer lugar, el texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta que se representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en segundo lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos cual la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.

El hecho de que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación determina además el carácter distintivo de la escritura dramática respecto a otros géneros literarios. La mayoría de los grandes dramaturgos de todos los tiempos, desde los clásicos griegos al inglés William Shakespeare, el francés Molière, el español Pedro Calderón de la Barca o el alemán Bertolt Brecht, basaron sus creaciones en un conocimiento directo y profundo de los recursos escénicos e interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.

Dirección

La personalidad del director como artista creativo por derecho propio sólo se consolidó, según se apuntó anteriormente, a fines del siglo XIX. Su figura, de cualquier forma, había existido siempre, en cuanto responsable de la coordinación de los elementos que representan, desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde, en definitiva, convertir el texto, si existe, en teatro, por medio de los procedimientos que juzgue precisos. para inducir a la reflexión por los alemanes Bertolt Brecht y Erwin Piscator o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski

Actuación

Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de manera uniforme. En el teatro occidental clásico, por ejemplo los grandes actores, los "monstruos sagrados", tendían a enfatizar las emociones con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia del arte el intérprete dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses del Nō y kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.

En el teatro moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que el actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de éste. Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es desde luego la única y en último extremo la elección de un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las indicaciones del director.

Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una crítica del naturalismo como simple reproducción del comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno. Actualmente ha habido grandes transformaciones del trabajo de Stanislavski siendo las más importantes Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky Étienne Decroux y Eugenio Barba. Estas técnicas, llamadas actualmente extracotidianas implican una compleja síntesis de los signos escénicos.

Otros elementos

De forma estricta, se entiende por decorado al ambiente en que se desarrolla una representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los decorados. Hoy en día, tiende a introducirse en el concepto de "aparato escenográfico" a todos los elementos que permiten la creación de ese ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la maquinaria o tramoya y la iluminación.

En la antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue ya a fines del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía comenzó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al decorado, y posteriormente al desarrollo de la maquinaria teatral. En el siglo XIX, con la introducción del drama realista, el decorado se convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de la iluminación. Las candilejas, que en principio eran un elemento accesorio, se consideran poéticamente un símbolo del arte teatral.

Estrechamente vinculado con la concepción escénica, se ha hallado siempre el vestuario. En el teatro griego, la tosquedad de los decorados se compensaba por medio de mascaras —trágicas o cómicas— y las túnicas estilizadas de los actores, cuyo objeto era de resaltar el carácter arquetípico de los personajes. Durante el Barroco y el Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje y el vestuario, si bien éste se empleó a menudo de forma anacrónica —se representaba por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes franceses del siglo XVII hasta la aparición del realismo. En la actualidad, la elección del vestuario no es sino un elemento más dentro de la concepción general del montaje.

                         El balcón de Julieta, en Verona, de la obra creada por Shakespeare.

Guitarra acustica

Guitarra acústica
La guitarra acústica es un tipo de guitarra, cuyo sonido se genera mediante la vibración de las cuerdas que se amplifican en una caja acústica. El termino guitarra acústica es un retrónimo que proviene del ingles, acuñado para diferenciarla de la guitarra eléctrica, la cual requiere de amplificación eléctrica para poder ser utilizado.

No obstante, el idioma español parece reservar el adjetivo "acústica", tratándose de guitarras, únicamente para aquellas que, sin ser eléctricas, tienen las cuerdas de metal. En castellano, la denominación correcta de este instrumento es "guitarra sajona", aunque casi siempre se emplee el préstamo del inglés.

Producción del sonido
En todas las guitarras el sonido es producido por la vibración  de las cuerdas. Como la cantidad de aire que puede desplazar una cuerda es poco, el sonido necesita ser amplificado para poder ser oído. En la guitarra acústica como en otros instrumentos de cuerda esto se consigue mediante la tapa armónica y la caja de resonancia. La vibracion de las cuerdas se transmite a través del puente a la tapa armónica que gracias a sus dimensiones desplaza una cantidad mayor de aire pudiendo producir un sonido mucho mayor que una sola cuerda.

Al vibrar la tapa armónica, las ondas de sonido se producen tanto desde dicha tapa como desde el fondo de la caja de resonancia.  "Ver resonancia Helmholtz"

Algo de sonido es proyectado en ultima instancia a través del agujero de la tapa armónica Este sonido se mezcla con el sonido producido por la parte frontal de la tapa armónica^[1] (algunas variantes de guitarra acústica carecen de dicho agujero, o tienen agujeros en forma de f como los instrumentos de la familia del violín). El sonido resultante es una compleja mezcla de armónicos que da a cada guitarra su sonido distintivo.
En realidad no existe amplificación durante este proceso, en el sentido de que no se aporta energía externa para incrementar la intensidad del sonido (como en el caso de un amplificador eléctrico). Toda la energía procede de la pulsación de la cuerda. La función de todo este sistema es maximizar la intensidad del sonido, pero debido al principio de conservación de la energía el precio energético se paga en la duración la vibración. Esto quiere decir que en una guitarra sin caja de resonancia, las cuerdas no producirían apenas sonido pero este duraría mucho mas.

 
Absorbente Helmholtz


El absorbente Helmholtz o resonador de Helmholtz es un tipo de absorbente acústico creado artificialmente para eliminar (absorber) un estrecho margen de frecuencias.
Los resonadores de Helmholtz se basan en el artefacto acústico conocido como cavidad de Helmholtz; consisten en una cavidad con un orificio en el extremo de un cuello (como una botella) en cuyo interior el aire se comporta como una masa resonante. La frecuencia de resonancia (es decir, en torno a la cual se produce la absorción) puede calcularse como sigue:

Resonador Helmoltz.

• f = frecuencia de resonancia
• s = velocidad del sonido en el aire
• r = radio del cuello (supuesto circular)
• a = área del cuello
• l = longitud del cuello
• L′ = longitud efectiva del cuello, según

L′ = l + 1.7r (si el borde del cuello está achaflanado)

L′ = l + 1.4r (si el borde del cuello es rectangular)

• v = volumen

Una cavidad con un orificio, en lugar de cuello, se comporta como achaflanado con longitud del cuello nula.

Resonador de Helmholtz

El resonador de Helmholtz es un instrumento musical electrónico primitivo (uno de los precursores) que no nació como tal. Su inventor el físico y matemático alemán Hermann Ludwig Ferdinand von Helmholtz, construyó el aparato para analizar combinaciones de tonos que generan sonidos naturales complejos. Helmholtz era un científico, no tenía ningún interés en las aplicaciones musicales derivadas de sus investigaciones.
En cierto sentido, el resonador de Helmholtz sería un precursor de los modernos samplers, combinaba sonidos preexistentes y permitía la generación de nuevos.
Las conclusiones a las que llegó las reflejo en su obra DEL TONO: Base psicológica para la teoría de la música (1860).
Los resonadores de Helmholtz, básicamente, consistían en una serie de esferas huecas de vidrio con dos cuellos tubulares cortos y abiertos. Cada esfera tenía sus dos cuellos situados en extremos diametralmente opuestos. Uno de los cuellos se aplicaba al oído mientras el otro se acercaba a la fuente de sonido. Si la composición del sonido contenía una frecuencia igual o muy próxima a la frecuencia resonante de la cavidad del resonador, éste la amplificaba permitiendo percibirla aisladamente. Utilizando una serie de este tipo de resonadores era posible tener una idea muy aproximada de las distintas frecuencias que componían cada sonido estudiado. Conclusivamente, de esta manera se podía deducir que los sonidos complicados' estaban compuestos por un conjunto organizado de otros sonidos más simples que eran posibles de aislar y escuchar con los resonadores de Helmholtz.
El resonador de Helmholtz es un ejemplo de modelización de parámetros acústicos cuando la longitud de onda de interés es significativamente mayor que las dimensiones físicas del sistema.
Un ejemplo de funcionamiento del resonador de Helmholtz se produce al observar el sonido que produce una botella cuando se sopla en su borde. El sonido introducido (soplido) contiene un amplio margen de frecuencias, pero la botella produce resonancia a una cierta frecuencia, menor (más grave) cuanto más vacía se encuentre (pues el volumen en su interior es mayor). El mismo principio se observa silbando o con varios instrumentos musicales como la ocarina.

Amplificación

Una guitarra acústica puede estar amplificada a través de varios tipos de pastillas o micrófonos. El tipo de pastilla mas usado en este tipo de guitarras son el tranductor piezoelectrico (piezo) y el electromagnetico. Los piezos se montan generalmente bajo el puente mientras que los electromagneticos se suelen colocar en el agujero de la tapa armónica. Ambos pueden conectarse directamente a un amplificador aunque los piezos suelen pasar antes por un ecualizador. Existen instrumentos con un tamaño mayor de caja de resonancia como son los modelos dreadnought o jumbo que aportan una mayor cantidad de sonido.

Tipos

Las guitarras acústicas varían enormemente en su diseño y construcción, mas aun que las guitarras eléctricas. Algunos de los tipos mas importantes son la guitarra clásica, la guitarra sajona, y la guitarra Lapsteel. A continuación una lista mas completa, mas información en los artículos específicos.

Guitarras con cuerdas de nilon/tripa:

• Guitarra renacentista
• Guitarra barroca
• Guitarra romántica
• Guitarra clásica
• Guitarra de flamenco
• Guitarra clásica extendida 

• Guitarras con cuerdas metálicas:
  • Guitarra sajona
  • Guitarra sajona de 12 cuerdas
  • Guitarra con resonador
  • Guitarra archtop
  • Guitarra Lapsteel
  • Steel guitar

• Guitarra bajo acústica
• Guitarra rusa
• Guitarras especiales:
  • Guitarra Pikasso
  • Guitarra arpa
  • Guitarra banjo
  
  
  

 

Paul Sigmac

Paul Signac

Paul Victor Jules Signac (11 de noviembre de 1863 - 15 de agosto de 1935) fue un pintor neoimpresionista francés famoso por
su desarrollo de la técnica puntillista junto a Georges Seurat.

Biografía

Paul Signac nació en París en 1863, en el seno de una familia de un pudiente maestro guarnicionero. Puede ser considerado pintor autodidacta. Comenzó su carrera como arquitecto, pero lo dejó a los dieciocho años para dedicarse a la pintura. En 1882 se inscribe en la Escuela de Bellas Artes. En 1884 conoció a Monet y Georges Seurat. Quedó impresionado por los métodos de trabajo sistemáticos de Seurat y por su teoría de los colores y se convirtió en el fiel seguidor de Seurat. Bajo su influencia abandonó las cortas pinceladas del impresionismo para experimentar con los puntos de color puro, científicamente yuxtapuestos, que pretendían combinar entre sí, no mezclarse sobre el lienzo, sino en el ojo del espectador, el rasgo que define el puntillismo.
Navegó por las costas de Europa, pintando los paisajes que encontraba. Muchos de sus cuadros son de la costa francesa. Dejaba la capital todos los veranos, para permanecer en el sur de Francia, en la villa de Collioure o en Saint-Tropez, donde compró una casa a la que invitaba a sus amigos. En marzo de 1889, visitó a Vincent van Gogh en Arlés. Al año siguiente hizo un pequeño viaje a Italia, viendo Génova, Florencia, y Nápoles. Signac amaba navegar y comenzó a viajar en 1892, en un barco pequeño a casi todos los puertos de Francia, Holanda y alrededor del Mediterráneo, llegando incluso hasta Constantinopla, teniendo la base de su barco en St. Tropez, que él "descubrió". De todos esos puertos en los que estuvo, Signac llevó consigo acuarelas vibrantes y coloridas, tomadas rápidamente del natural.

A partir de estos pequeños esbozos, pintó grandes lienzos en su taller, que están cuidadosamente trabajados a partir de

pequeños cuadrados de color, a modo de mosaico, bastante diferentes de los pequeños puntos multicolores que previamente había

usado Seurat.

 

También pintó escenas de ciudades francesas en sus últimos años.

 

Signac experimentó con varios medios. Además de pintura al óleo y acuarelas, hizo aguafuertes, litografías, y muchos esbozos

a pluma y tinta compuestos de pequeños y trabajados puntos. Los neoimpresionistas influyeron en la siguiente generación:

Signac inspiró, en particular, a Henri Matisse y André Derain, desempeñando de esta manera un papel decisivo en el desarrollo

del Fauvismo.

 

Como presidente de la «Société des Artistes Indépendants» desde 1908 hasta su muerte, Signac animó a artistas más jóvenes

(fue el primero que compró una pintura de Matisse) exponiendo las controvertidas obras de los fauves y de los cubistas

 

Vida privada

 

El 7 de noviembre de 1892 Signac se casó con Berthe Roblès en el ayuntamiento del 18.º distrito de París; fueron testigos de

boda Alexandre Lemonier, Maximilien Luce, Camille Pissarro y Georges Lecomte.

 

En noviembre de 1897, los Signac se trasladaron a un nuevo apartamento en el Castel Béranger, construido por Hector Guimard,

y un poco más tarde, en diciembre del mismo año, adquirieron una casa en Saint-Tropez llamada La Hune; allí el pintor hizo

que construyeran un gran estudio, que inauguró el 16 de agosto de 1898.

 

En septiembre de 1913, Signac alquiló una casa en Antibes, donde se estableció con Jeanne Selmersheim-Desgrange, quien dio a

luz a su hija Ginette el 2 de octubre de 1913. Mientras tanto, Signac había dejado La Hune lo mismo que el apartamento en el

Castel Beranger a Berthe: siguieron siendo amigos durante el resto de su vida.

 

El 6 de abril de 1927, Signac adoptó a Ginette, su hija previamente ilegítima.

 

A la edad de setenta y dos años, Paul Signac murió el 15 de agosto de 1935 en París de septicemia. Su cuerpo fue incinerado

y, tres días más tarde, enterrado en el Cementerio de Père-Lachaise.

 

Obras

 

* Portrait de Félix Fénéon, 1890

* El pino, Saint Tropez

* Puerto de St. Tropez.

* Le déjeuner (El almuerzo, 1885-1886 ), óleo, 111,8 x 188,6 cm

* Les Andelys (1886)

* Femme lisant (1887), óleo sobre tabla, Museo de Orsay, París

* Château de Comblat (1887), Museo de Lieja, Bélgica

* Le combattant (1893) 12,3cm x 20,3 cm.

* La bouée rouge (La boya roja,' 1895) 81 x 65 cm, Museo de Orsay, París

* Saint Tropez, L'orage, (1895) Musée de l'Annonciade, Saint-Tropez

* Capo di Noli, cerca de Génova, (1898), óleo sobre lienzo, Wallraf-Richartz-Museum. Colonia.

* Le château des Papes à Avignon (El castillo de los Papas en Aviñón, 1900), 73,5 x 92,5 cm, Museo de Orsay, París

* La voile verte, 1904

* Le phare d'Antibes (El faro de Antibes, 1909), óleo sobre lienzo Museo de Bellas Artes, Nantes

 

Escritor

 

Signac dejó varias obras importantes sobre teoría del arte, entre ellas De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo, publicado en

1899; una monografía dedicada a Johan Barthold Jongkind (1819-1891), publicada en 1927; varias introducciones a los catálogos

de exposiciones artísticas; y muchos otros escritos aún sin publicar.

 

Políticamente fue un anarquista, como muchos de sus amigos, entre ellos Félix Fénéon y Camille Pissarro.

 

"el pintor anarquista no es el que crea pinturas anarquistas, sino el que lucha con toda su individualidad contra las

convenciones oficiales". Paul Signac.

 

Galería:

Paul Signac

Paul Signac

Paul Victor Jules Signac (11 de noviembre de 1863 - 15 de agosto de 1935) fue un pintor neoimpresionista francés famoso por su desarrollo de la técnica puntillista junto a Georges Seurat.

Biografía
Paul Signac nació en París en 1863, en el seno de una familia de un pudiente maestro guarnicionero. Puede ser considerado pintor autodidacta. Comenzó su carrera como arquitecto, pero lo dejó a los dieciocho años para dedicarse a la pintura.

En 1882 se inscribe en la Escuela de Bellas Artes. En 1884 conoció a Monet y Georges Seurat. Quedó impresionado por los métodos de trabajo sistemáticos de Seurat y por su teoría de los colores y se convirtió en el fiel seguidor de Seurat. Bajo su influencia abandonó las cortas pinceladas del impresionismo para experimentar con los puntos de color puro, científicamente yuxtapuestos, que pretendían combinar entre sí, no mezclarse sobre el lienzo, sino en el ojo del espectador, el rasgo que define el puntillismo.

Navegó por las costas de Europa, pintando los paisajes que encontraba. Muchos de sus cuadros son de la costa francesa. Dejaba la capital todos los veranos, para permanecer en el sur de Francia, en la villa de Collioure o en Saint-Tropez, donde compró una casa a la que invitaba a sus amigos. En marzo de 1889, visitó a Vincent van Gogh en Arlés. Al año siguiente hizo un pequeño viaje a Italia, viendo Génova, Florencia, y Nápoles.

Signac amaba navegar y comenzó a viajar en 1892, en un barco pequeño a casi todos los puertos de Francia, Holanda y alrededor del Mediterráneo, llegando incluso hasta Constantinopla, teniendo la base de su barco en St. Tropez, que él "descubrió". De todos esos puertos en los que estuvo, Signac llevó consigo acuarelas vibrantes y coloridas, tomadas rápidamente del natural. A partir de estos pequeños esbozos, pintó grandes lienzos en su taller, que están cuidadosamente trabajados a partir de pequeños cuadrados de color, a modo de mosaico, bastante diferentes de los pequeños puntos multicolores que previamente había usado Seurat.

También pintó escenas de ciudades francesas en sus últimos años.

Signac experimentó con varios medios. Además de pintura al óleo y acuarelas, hizo aguafuertes, litografías, y muchos esbozos a pluma y tinta compuestos de pequeños y trabajados puntos. Los neoimpresionistas influyeron en la siguiente generación: Signac inspiró, en particular, a Henri Matisse y André Derain, desempeñando de esta manera un papel decisivo en el desarrollo del Fauvismo.

Como presidente de la «Société des Artistes Indépendants» desde 1908 hasta su muerte, Signac animó a artistas más jóvenes (fue el primero que compró una pintura de Matisse) exponiendo las controvertidas obras de los fauves y de los cubistas

Vida privada

El 7 de noviembre de 1892 Signac se casó con Berthe Roblès en el ayuntamiento del 18.º distrito de París; fueron testigos de boda Alexandre Lemonier, Maximilien Luce, Camille Pissarro y Georges Lecomte.

En noviembre de 1897, los Signac se trasladaron a un nuevo apartamento en el Castel Béranger, construido por Hector Guimard, y un poco más tarde, en diciembre del mismo año, adquirieron una casa en Saint-Tropez llamada La Hune; allí el pintor hizo que construyeran un gran estudio, que inauguró el 16 de agosto de 1898.

En septiembre de 1913, Signac alquiló una casa en Antibes, donde se estableció con Jeanne Selmersheim-Desgrange, quien dio a luz a su hija Ginette el 2 de octubre de 1913. Mientras tanto, Signac había dejado La Hune lo mismo que el apartamento en el Castel Beranger a Berthe: siguieron siendo amigos durante el resto de su vida.

El 6 de abril de 1927, Signac adoptó a Ginette, su hija previamente ilegítima.

A la edad de setenta y dos años, Paul Signac murió el 15 de agosto de 1935 en París de septicemia. Su cuerpo fue incinerado y, tres días más tarde, enterrado en el Cementerio de Père-Lachaise.

Obras

    * Portrait de Félix Fénéon, 1890
    * El pino, Saint Tropez
    * Puerto de St. Tropez.
    * Le déjeuner (El almuerzo, 1885-1886 ), óleo, 111,8 x 188,6 cm
    * Les Andelys (1886)
    * Femme lisant (1887), óleo sobre tabla, Museo de Orsay, París
    * Château de Comblat (1887), Museo de Lieja, Bélgica
    * Le combattant (1893) 12,3cm x 20,3 cm.
    * La bouée rouge (La boya roja,' 1895) 81 x 65 cm, Museo de Orsay, París
    * Saint Tropez, L'orage, (1895) Musée de l'Annonciade, Saint-Tropez
    * Capo di Noli, cerca de Génova, (1898), óleo sobre lienzo, Wallraf-Richartz-Museum. Colonia.
    * Le château des Papes à Avignon (El castillo de los Papas en Aviñón, 1900), 73,5 x 92,5 cm, Museo de Orsay, París
    * La voile verte, 1904
    * Le phare d'Antibes (El faro de Antibes, 1909), óleo sobre lienzo Museo de Bellas Artes, Nantes

Escritor
Signac dejó varias obras importantes sobre teoría del arte, entre ellas De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo, publicado en 1899; una monografía dedicada a Johan Barthold Jongkind (1819-1891), publicada en 1927; varias introducciones a los catálogos de exposiciones artísticas; y muchos otros escritos aún sin publicar.

Políticamente fue un anarquista, como muchos de sus amigos, entre ellos Félix Fénéon y Camille Pissarro.

"el pintor anarquista no es el que crea pinturas anarquistas, sino el que lucha con toda su individualidad contra las convenciones oficiales". Paul Signac.

Galería:

El puerto de Saint-Tropez, 1907, Museo Folkwang, Essen.

Las modistas, Rue du Caire, hacia 1885-1886, Col. E. G. Bühle, Zúrich

Domingo, 1888-1890, colección privada

La boya roja, 1895, Museo de Orsay, París

Puerto de Marsella, 1906, Museo del Ermitage, San Petesburgo